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AGENDAROCK #327 – DISCOS

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Tres entregas de tres décadas distintas

Ramón Santos

Tres discos dignos de cualquier colección particular. Tres albunes a tener en cuenta en nuestra historia del Rock y del Pop. Los 50, los 60 y los 70. The Louvin Brothers, The Beatles y Credence Clearwater Revival son nuestros protagonistas en esta AgendaRock. Todos sus temas juntos supondrían dos horas de música completa, el tiempo nos limita y debemos recortar canciones. Aquí compartiremos una selección de los mejorcito de estos tres trabajos. Bienvenidos…

El sello discográfico Capitol lanzó en 1956 con la producción de Ken Nelson el álbum “Tragic songs of life” del dúo The Louvin Brothers. Puro sonido Country y Gospel en las voces de estos dos hermanos que tenían esa peculiar forma armónica de interpretar sus canciones y del que aprenderían tanto luego gente como The Everly Brothers. Su música les sale directamente del alma cantan con sentimiento con espíritu nostálgico, romántico pero también rebelde y alborotado.

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Ira y Charlie eran sus nombres, el primero tenía fama de mujeriego y bebedor y esto ocasiono la disolución del dúo en 1963, dos años después Ira fallecía en accidente de tráfico. Charlie había emprendido ya su carrera en solitario. En Estados Unidos The Louvin Brothers son leyenda del sonido Country. Personajes tan importantes como Emmylou Harris o Gram Parsons son grandes embajadores de aquel legado musical del dúo Louvin.

Un año antes de la famosa “Invasión británica” a los Estados Unidos, los cuatro melenudos de Liverpool lanzan al mercado con sus sello Parlophone uno de sus mejores trabajos: “With the Beatles”. Como ya venía siendo costumbre, marcaron un antes y un después en el mercado del disco ya que fue de los primeros albunes en alcanzar cifras de venta millonarias. Y eso que para hacerlo realidad solo tardaron una semana. Otro cambio de lo habitual fue el hecho de que no se lanzara ningún single al mercado, algo casi obligado por todo el que grabara un disco por entonces. “With the Beatles” es un disco que aun hoy guarda ese encanto especial que el grupo supo plasmar en sus composiciones y puestas en escena. En Estados Unidos, salió a la venta con el título de “Meet the Beatles”, (Conoce a los Beatles) y es que la promotora estaba encajando poco a poco el producto Beatles en aquel mercado tan difícil. En 1964 llegaría la revolución definitiva para América con unos claros vencedores…

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Los Credence ofrecen en este trabajo su más genuino estilo con formulas de puro Pop con sello sureño. Los temas abogan por lo pegadizo y quizás por ello conquistara el top americano durante nueve semanas. John Fogerty esta que se sale, canta, compone, produce, toca la guitarra, el saxo, los teclados… Cosmo´s Factory es el título del álbum pero también del lugar de ensayos de la banda. Temas como “Who´ll stop the rain” serian reivindicativos en un momento en el que existía aun el espíritu hippy y aquel movimiento del Flower Power tan contrario a la guerra de Vietnam. Credence Clearwater Revival lanza este disco con el sello Fantasy cuya dirección artística corrió a cargo de Bob Fogerty.

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Escucha aquí el programa emitido en la EMA:

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AGENDAROCK #326

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SURTIDO VARIADO

Ramón Santos

Louis Prima y su álbum de 1956 “The wildest!”

Para los más fieles a la norma del sonido Jazz nuestro protagonista no era una figura relevante. Piezas como “When It’s Sleepy Time Down South”, “Jump Jive an Wail”, “Oh Marie” o “I’ll Be Glad When You’re Dead You Rascal You” son las más significativas de este trabajo de este cantante y trompetista que inicio su carrera a través de clubes nocturnos de Nueva Orleans y Nueva York en los años 30 y 40. Prima falleció en 1978 y su legado fue importante e influyente en la música.

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Joan Baez y su primer disco homónimo de 1960.

Seria en el Festival de Newport en su edición de 1959 cuando una jovencita activista defensora hasta la muerte de un cambio social justo para todos aparecería y comenzaría su caminar por los senderos de la música Folk a niveles insospechados. Con su álbum del 60 consigue su primer disco de Oro. Y si Bob Dylan era el rey del Folk ella era la reina. En este su primer trabajo aun no tenía acusada sus inquietudes reivindicadoras. El público se quedo prendado de la dulce voz de aquella jovencita de tan solo 20 años; Joan Baez.

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Spirit y su trabajo discográfico de 1970 “Twelve dreams of Dr. Sardonicus”.

Rock, Clásica, Jazz… Para Spirit no había límites. Apodaron a su mesa de mezclas “Dr. Sardonicus” y después le dedicaron este trabajo, ultimo de su carrera ya que después se separarían. Y es que ya tenían problemillas anteriores. Pero el productor musical David Briggs confió en ellos y les dio la oportunidad de grabar. Un poco de arreglos de metales por aquí, un podo de psicodelia por allá, cambios de estéreos a mono, efectos de cintas hacia atrás, experimentos con el novedoso Moog… la imaginación de la banda no tenia final. Unos años más tarde les concedieron un Disco de Platino a este álbum del que hoy escuchamos estas piezas. Como ya dijimos en su momento, tras disolverse el grupo de sus cenizas surge otra banda, los Jo Jo Gunne con Mark Andes y Jay Ferguson como precursores. Pero eso es otra historia.

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Puedes escuchar el programa completo dedicado aquí:

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La Historia del Rock #325 – Adiós 2016

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Ramón Santos

Se nos fue 2016, y con él se nos marcharon grandes del Rock y del Pop, personajes importantes dentro del panorama musical con los que supimos apreciar momentos únicos e irrepetibles en nuestras vidas. David Bowie, Prince, Leonard Cohen o George Michael, el productor George Martin, el cofundador de The Eagles Glenn Frey o el cantautor español Manolo Tena.

Uno de los primeros en abandonar lo terrenal fue David Bowie, tenía 69 años y en su haber cientos de canciones para el recuerdo.  Su álbum “Blackstar” seria su último aporte a la música. Un icono del Pop de los 80 y 90, Prince, también nos abandonaba dejando un reguero de temas que marcaron su tiempo. Tenía 57 años y Purple Rain fue una de sus creaciones más significativa. Con Leonard Cohen se nos marcho un gran poeta de nuestro tiempo. Con su peculiar forma de interpretar la música que llevaba dentro nos dejo fuera de combate a todos. Su leyenda sobrevivirá al paso de los tiempos. Tenía 82 años y se mantuvo al pie del cañón hasta el mismísimo final. George Martin tenía 90 años cuando se despidió. El conocido por todos como “Quinto Beatle” no se marchó sin dejarnos grandes legados como sus grandes aportes en su faceta de productor en albunes como “Revolver” o “Sgt. Peppers”.

Los amantes del Country-Rock lloraron este 2016 la pérdida de uno de los mejores, Glenn Frey. Fundador del grupo Eagles, Glenn compuso piezas únicas en su género como “New kid in town”. Por citar solo una. Tenía 67 años. También nos dijeron adiós este año dos de los componentes esenciales de la famosa banda de Rock sinfónico Emerson, Lake & Palmer.  El teclista Keith Emerson a los 71 años y el bajista y vocalista Greg Lake a los 69 años. Scotty Moore tenía 84 años cuando fallecía este año que se nos fue. Fue figura indispensable para todo guitarrista que se precie en seguir los pasos de los más grandes y honrarles por su labor en la música. Scotty fue el primer guitarrista que tuvo Elvis Presley en su carrera. Otros importantes personajes del panorama musical internacional que nos dejaron durante este pasado 2016 fueron gente como el pianista y compositor Leon Russell, tenía 74 años. También con 74 años abandonaba este mundo Paul Kantner componente de la todo poderosa banda Jefferson Airplane. El cantante Alan Vega a sus 78 años igualmente se despedía de nosotros. Recordemos que fue el  fundador del grupo de la escena Punk, Suicide. Black con la misma edad que George Michael (53 años) se separaba de su hilo de conexión con esta vida este año pasado. De el recordamos temas como su éxito “Wonderful life”.

Maurice White quien fuera fundador de la famosa banda Earth, Wind & Fire también se soltaba de los hilos mágicos que nos sostienen pegados a la vida. Tenía 74 años. Con 60 años nos decía adiós la cantante de Soul y Funk Sharon Jones. Su magia aún perdura en mis oídos. Natalie Cole apenas tenía 65 años y también forma parte de las grandes pérdidas de este 2016 que se nos marcho. Natalie brillo por voz propia amén de que tuviera siempre detrás la figura de su padre Nat King Cole. Merle Haggard toda una estrella del Country fallecía a los 79 años de edad en 2016. Escucharle es todo un placer siempre. Rick Parfitt, el guitarrista y miembro fundador además de la banda Status Quo también nos decía adiós este 2016. Tenía 68 años y con su banda nos hizo vibrar y sentir la música de verdad.

Esto dentro del panorama más internacional. Pero sin olvidar a otros músicos que lo dieron todo por compartir sus creaciones en ámbitos como el flamenco. Son los casos del cantaor José Menese,  Juan Peña “El Lebrijano” y el guitarrista Juan Carmona “Habichuela”. Manolo Tena que nos dejo a sus 64 años de edad tan solo un buen surtido de canciones inolvidables como los ya clásicos del Pop más cercano en nuetro país; “Tocar madera” o “Sangre española”. José Luis Armenteros quizás no os suene mucho pero fue el artífice de temas que hoy por hoy forman parte de los recuerdos musicales de otras épocas con canciones como “Cuéntame”.

En el repaso de esta lista de perdidas en la música recordamos a las figuras latinas de Juan Gabriel y el saxofonista Gato Barbieri. El primero todo un icono en México y en el mundo tenía 66 años. El segundo fallecía en Nueva York a los 83 años. Y para concluir George Michael, todo un icono del Pop de los 80. De sus éxitos con el grupo Wham pasó a triunfar también en solitario. Poseía todos los elementos que se necesitan para ganar en esto de la música; voz, presencia, talento para componer… y experiencia. George fue el culpable de poner de moda ese look de cuero y esa barba de tres días. Hasta aquí este repaso por las pérdidas durante 2016 de los músicos citados. Todos pasan a formar parte de nuestros recuerdos y no cabe duda de que serán por siempre rememorados gracias a su legado musical.

Aquí puedes escuchar el programa:

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Un Nobel merecido para Dylan

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Los Premios Nobel amplían horizontes con Bob Dylan

Ramón Santos

Me llama la atención que una vez conocida la noticia de que a Bob Dylan se le había concedido el Premio Nobel de Literatura de inmediato comienzan a surgir comentarios al respecto. Y lo más llamativo quizás, al menos para mí, se produce una especie de debate en si es merecido o no. Al margen de lo que yo pueda opinar sobre el asunto, de lo que sí estoy totalmente seguro es que  Dylan pasa olímpicamente de todo. El está por encima, es un rebelde como ya lo demostró en 1965 en el Festival de Folk de Newport donde  sin pensarlo dos veces salió al escenario con una guitarra eléctrica junto a The Butterfield Blues Band. Una parte del público, atónito, le abucheó. Desde aquel momento ya nada sería igual en la música y especialmente en el Folk que comenzó su camino hacia lo que sería el Folk-Rock. Y de paso a aquel músico se le comenzó a mirar de otra manera.

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Pero no solo eso. Bob Dylan fue influencia clara en las siguientes generaciones de músicos y en la suya propia aportando una nueva dimensión a través de sus letras. Hasta entonces la mayoría de las canciones no hablaban de temas profundos, sociales, política, etc. La poesía urbana de Dylan se extendió.

Influenciado por cantautores como Woody Guthrie y Pete Seeger, entre otros, Bob Dylan, cuyo verdadero nombre es Robert Allen Zimmerman como ya sabréis, emprendió un largo camino que le ha llevado hasta este instante en su vida profesional en el que es proclamado merecedor de un premio tan notable como lo es el de Nobel de Literatura. Quizás, ¿Por qué no?, este galardón se lo haya dedicado el cantautor y poeta estadounidense a aquellos compositores y músicos de los que tanto aprendió.

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Incansable, Dylan sigue hoy trabajando en la música, creando, descubriendo y compartiendo pero también protestando, buscando la libertad, contando verdades. Amén de varios premios Grammy, un Oscar a la mejor canción en la película “Wonder Boys”, su entrada en el Rock and Roll Hall of Fame en 1988, y otros premios diversos como el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2007, no hace mucho, en 2012 se le concedió otro premio en su país, la Medalla Presidencial de la Libertad. En definitiva, Bob Dylan es sin duda, un personaje significativo y relevante no solo en la música y la cultura en general, sino que también lo es en nuestra sociedad.

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Solo por todo esto, y al margen de opiniones, discusiones y debates no cabe la menor duda de que estamos ante una figura significativa e indispensable para entender la cultura y la contracultura de nuestro tiempo. Una aventura que Bob comenzó en Estados Unidos y que luego se extendería por todo el planeta. Una revolución en toda regla. Felicidades Dylan.

Os dejo además una serie de fragmentos de otros artículos relacionados:

“Es una victoria histórica del rock’n’roll y es también un reconocimiento glorioso a un oficio y al tipo que prácticamente se inventó este oficio. Nos cambió la vida a algunos cuando escuchamos. Like a Rolling Stone por primera vez. Ya sabes, no entendíamos lo que decía, pero sabíamos que tenía que ver con nosotros. Nadie ha contado los grandes cambios del siglo XX a través de las canciones como Dylan”. Quique González – EL PAÍS

“Con su voz cavernosa, traje oscuro, camisa gris y elegancia hasta en el gesto más pequeño, Cohen, de 82 años, dedicó unas cariñosas palabras a Bob Dylan, flamante premio Nobel de Literatura y con el que comparte el lugar más alto en la admirada lista de cantautores que surgieron en los años 60”. – “Para mí, (que Dylan vaya a recibir el Nobel) es como poner una medalla al monte Everest por ser la montaña más alta (del mundo)”. David Villafranca –LA RAZÓN

“Si la Academia ha pretendido quitarle la solemnidad a la literatura, me apunto a eso. Si ese es el mensaje, el mensaje es bueno, porque significa que la poesía no ha muerto, que tal vez ya no haya que buscarla en un soneto sino en una canción. El rock iluminó el mundo. Eso lo venía haciendo la literatura. La gran novela americana no está en los posmodernos novelistas americanos, sino en la discografía completa de gentes como Bob Dylan o Lou Reed”. Manuel Vilas – ABC

“Dylan es en cierta forma la enciclopedia viviente de los tiempos que le ha tocado vivir. Unos tiempos que no se plasman en libros, sino en discos. […] Dylan ha sido escogido por la Academia y eso es bueno para la Academia. Al menos reconocen que la voz de una era igual no está entre sus paredes”. J.M. Costa – eldiario.es

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DISCOS: “Songs The Lord Taught Us” The Cramps

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TODOROCK #318

DISCOS

“Songs The Lord Taught Us”

The Cramps – 1980

Ramón Santos

¿Rockabilly, Rock clásico, garaje, psychobilly, punk…?

El álbum que nos ocupa suena fresco, pero tiene también un cierto sabor de morriña. Lo hicieran aposta o por casualidad los americanos The Cramps dieron con una formula de reinvención… Hoy en AgendaRock hablamos del disco “Las canciones que el señor nos enseñó” con Los Calambres. Grabaron por primera vez en los estudios Sam C. Phillips de Memphis. ¿Os suena verdad?… efectivamente, en estos mismos estudios grabarían muchos años antes los legendarios Elvis y Jerry Lee Lewis.

Canciones destacadas son “TV set”, “I was a teenager werewolf”, “Garbageman” o “The mad daddy”. Su productor Alex Chilton supo plasmar ese aire de misterio en los sonidos de la banda que unido a la voz de Lux Interior. Finalmente lo que según la crítica estaba dirigido a ser un éxito resulto ser un fracaso por diversos motivos. Principalmente originados por sus propios componentes. Uno de ellos, el guitarrista Bryan Gregory, desapareció en plena gira americana con el furgón donde transportaban todo el material del concierto, supuestamente para saldar una deuda por su consumo de drogas.

A pesar de no ser un álbum exitoso sí creo influencia para muchas otras bandas. The Cramps nace con Lux Interior que llevará la voz cantante, Poison Ivy a la guitarra a los que se les van uniendo a lo largo y ancho de su carrera en la música hasta nuestros días más de una veintena de componentes en distintas disciplinas del grupo, guitarra, batería, bajo, etc.

En 2003 lanzaron su álbum definitivo “Fiends of Dope Island” y un año después su discográfica Vengeance Records lanza al mercado un doble recopilatorio… Cierra el álbum un clásico de los 50 versionado por la banda: “Fever” (Fiebre) original en letra y música de Eddie Cooley y Otis Blackwell. ¿Una especie de homenaje quizás a los viejos clásicos del Rock de los 50?

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Escucha aquí el programa completo dedicado al disco de esta banda:

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América – Folk y Soft Rock

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Agendarock #309 – Grupos

Hablar del grupo inglés America es hablar de Folk Rock y de Soft Rock. Seguimos por tanto en esa línea aquí en Agendarock.

Ramón Santos

America fue formada por Gerry Beckley, Dewey Bunnell y Dan Peek allá por finales de los 60 convirtiéndose en una de las bandas de este género más populares. Canciones como A Horse with No Name, Sister Golden Hair o Ventura Highway son entre otras muchas, sus canciones bandera identificativas que les llevaron a lo más alto en la música. Con la producción de George Martin, reputado productor que llevo a The Beatles también, America graba sus primeros albunes.

El grupo America supo aprovechar la corriente de Folk Rock y las canciones llenas de acústica y armonía de voces. Con un estilo único crearon canciones eternas como “A Horse with No Name”, “Sister Golden Hair”, “Ventura Highway”, “Tin Man” y “Lonely People”. El 29 de diciembre del 71 sale al mercado su álbum debut homónimo que les llevaría directamente a la fama y el éxito. El single con el tema “A Horse with No Name” en cuya cara B iba el tema “Sandman” fue número uno en Estados Unidos y también ocupo primeros puestos en listas inglesas. Además de ser Disco de Oro, el álbum “America” conseguiría el Disco de Platino en Estados Unidos al haber alcanzado y superado el millón de copias vendidas. La producción del disco corrió a cargo de Ian Samwell & Jeff Dexter y fue lanzado con el sello Warner Bros. Después de aquel magnifico comienzo la banda cosecharía otros tantos triunfos musicales en su carrera durante los siguientes años.

Después comenzarían sus interesantes trabajos “Homecoming” de 1972 y  “Hat trick” de 1973 de los que escucharemos temas a continuación. En 1974 llega su primer gran triunfo en la música con su álbum “Holiday” que se convertirá en Disco de Oro para la banda con canciones como Tin Man o Lonely people. En 1975 repiten el éxito con su disco “Hearts” del que saldrían tres temas inolvidables en especial: “Daisy Jane”, “Sister golden hair” y “Woman Tonight”. En el 76 la banda graba su siguiente álbum en Colorado, Estados Unidos. Se llamará “Hidewaway”. Del frio Colorado pasan al cálido ambiente de Hawaii donde graban su disco “Harbor” en 1977. Después de un pequeño parón en el que la discográfica aprovecha para lanzar un recopilatorio, surge en 1979 “Silent letter”. Destacar que este será el primer trabajo de la banda sin la presencia en la misma de Dan Peek.

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Llegada la nueva década la banda continua teniendo seguidores y saca albunes como “Alibi” y “View from the ground” de 1980 y 1982 respectivamente. En 1984 lanza su “Perspective” en el que realizarían cambios sustanciales en su música más girando hacia el Pop-Rock. Tras de aquello realizan una parada de diez años. En 1994 sacan “Hourglass” Después de lanzar dos albunes en directo, editan y lanzan su decimocuarto álbum de estudio “Human nature” en 1998.

Entrada la década del 2000 America decide lanzar un disco enteramente dedicado a la Navidad al que titula “Holiday harmony”  sale en 2002. De nuevo con sonido más pop que folk surge en 2007 “Here & Now”. En 2011 sale al mercado un doble álbum especial con motivo de su 40 aniversario en la música en el que incluyen algunos de sus grandes éxitos. Pero también lanzaran un disco con versiones suyas de sus autores favoritos. Colaborara en este trabajo gente como Mark Knopfler y Van Dyke Parks. Canciones de figuras como Bob Dylan, Neil Young, James Taylor, Mark Knopfler, Joni Mitchell, Paul Simon, entre otros surcan este trabajo discográfico de America ese año. En 2011 precisamente fallece el 24 de julio, uno de los fundadores de la banda, Dan Peek. En 2015 lanzan varios albunes recopilatorios. Uno de ellos “Lost & found” contiene piezas nuevas y originales grabadas entre el año 2000 y 2011 que nuca salieron al mercado.

Así podemos desglosar los discos más relevantes de esta singular banda de Folk y Rock que dejo un legado musical bastante señero de un género que tuvo su tiempo muy destacado durante la década de los 70 en especial.  En su sitio web venturahighway.com nos demuestran que siguen trabajando con actuaciones previstas durante este 2016 y eso nos alegra bastante saberlo.

Escucha aquí el programa completo emitido en la Onda Local de Andalucía:

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Don McLean – American Pie 1971

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AGENDAROCK #312

DISCOS

Ramón Santos

Estamos ante un disco que fue número uno en la lista más importante en los Estados Unidos. De este trabajo destacaron dos piezas; la que le da título al álbum “American pie” y  “Vincent”. Cuando Don McLean escribe “American Pie” en 1971 quizás no sabía la importancia que tendría en la música y sin embargo forma parte de la historia del Rock pero también de los Estados Unidos. En ella se hace un homenaje de las figuras del Rock fallecidas en 1959 en un accidente aéreo. Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper. En la misma se hace alusión a que con aquel trágico suceso fue cuando la música murió. Es una forma poética de interpretar aquel accidente.

Don McLean – American Pie  1971

En nuestra lista de las 200 mejores canciones de la historia del Rock y del Pop a las que dedicamos ya en su momento nuestros programas especiales, el tema se encuentra en el puesto número 40. Este sería el segundo trabajo en disco del cantautor estadounidense de Folk-Rock. El primero se llamo “Tapestry”. De este álbum podemos destacar en general la calidez, categoría y elegancia de todas las composiciones. No hay que desvalorar temas como “Vincent” que también fue número uno concretamente en Reino Unido. En su letra Don McLean realiza un recuerdo a la figura del pintor Vincent Van Gogh. Otras canciones del disco son merecedoras de un lugar destacado como es el caso de “Crossroads”…

Don McLean sigue hoy en día ofreciendo sus conciertos. En 2015 realizó una gira por Reino Unido e Irlanda. En 2004 fue incluido en el Salón de la Fama en su calidad de cantautor. También en 2009 participó en el encuentro de la celebración inaugural del presidente norteamericano Obama en el Lincoln Memorial cuyo lema era “We are one”. En aquella ocasión Don McLean interpreto (no podía ser de otra manera) su canción bandera “American Pie”. De entre otros muchos galardones y premios, destacamos igualmente el conseguido en 2012 cuando la BBC le otorga el premio Radio 2 de Folk. Uno de sus últimos trabajos discográficos fue en 2009 “Addicted to black” y el dueto con Judy Collins en 2015 “Send in the clowns”.

En el año 2000 Madonna realizó una serie de versiones del tema “American Pie” para la banda sonora de la película “Algo casi perfecto” en la que ella era también protagonista. En 2003 la casa discográfica EMI lanzó el álbum remasterizado incluyendo además dos piezas más: Aftermath y Mother Nature. En el tema central de este trabajo de McLean la historia de la música es la estrella. Comienza con una alusión a la muerte de aquellos pioneros del viejo Rock & Roll; Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper. Luego hace referencia a Elvis como el rey, a Bob Dylan como el bufón, a los Beatles como los sargentos, a los satánicos The Rolling Stones… es un repaso breve, una maestra pincelada poética, un homenaje a la música, a la historia del Rock. Algo que desde aquí muchos lo ven como algo ajeno pero que forma parte de la cultura americana y de ahí que esta sea una de sus grandes canciones.RS/AR/2016.

Puesdes escuchar aquí erl audio con el programa para la Onda Local de Andalucia.

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La Historia del Rock #307

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Guitarristas

Glenn Frey

Glenn siempre había sido desde pequeño, un chico rebelde, y quizás por ello se adentro un buen día en el mundo del Rock. Su espíritu soñador y aventurero le llevaba por caminos que formaban historias que luego el llevaba al papel para crear canciones y compartirlas.

Cuando aparece en escena la figura de Don Henley nace el grupo Eagles. Su estilo Country-Rock del sur de California les lleva a lo más alto en el panorama norteamericano. Glenn Frey y Don Henley formarían un tándem irrepetible que marcaria la vida del grupo. Al principio la banda estaba formada por Glenn, Henley, Randy Meisner y el guitarrista Bernie Leadon. Con el paso del tiempo entrarían Joe Walsh y Don Felder. Si hay que seleccionar algún tema en especial relacionado con la carrera en la música de Glenn, sin duda no pueden faltar estas dos piezas: “Take it easy” y “Desperado”. La primera fue número doce de las listas americanas durante el verano del 72 y la segunda pertenece al trabajo de la banda con el mismo título de 1973.

Glenn Frey

En lo referente a álbumes sobresalientes, fue el álbum recopilatorio con sus mejores éxitos editado en 1976. En este disco se incluyeron los grandes éxitos de Eagles entre 1971 y 1975. El lanzamiento proporciono al grupo grandes dividendos ya que se convirtió en uno de los álbumes más vendidos  en Estados Unidos aquel año e incluso actualmente sigue siendo de los mas facturados. El final de la digamos, primera etapa de la banda llega en 1980, dos años después Glenn lanza su primer trabajo en solitario “No fun aloud”.

Durante sus años en solitario Glenn consigue importantes logros con temas como “You belong to the city” incluida en la serie de los ochenta  “Miami vice”. O “Party town” del álbum “No fun aloud” de 1982. Otro de los grandes guitarristas de nuestra historia del Rock, Glenn Frey. El que fuera fundador junto a Henley de una de las más prestigiosas bandas norteamericanas falleció el 18 de julio de 2015. Su legado musical, ahí está, para el disfrute de las siguientes generaciones. Su último trabajo fue “After hours” de 2012.

En el sitio web de la banda Eagles hay una dedicatoria muy especial dirigida a la persona de Glenn. En ella se lee el anuncio de su fallecimiento al que le acompaña una canción “It´s your world now”, (Este es tu mundo ahora) escrita por el propio Glenn y Jack Tempchin para el álbum “Eagles Long Road Out of Eden” de 2007. Con ella terminamos el recorrido de hoy en Agendarock. Ramón Santos/2016

Escucha aquí el programa completo:

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DISCOS: MADONNA – 1983

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AGENDAROCK #304

1983:

Internet alcanza un nuevo peldaño en su historia evolutiva, el gran entramado era ya imparable con los nuevos protocolos para la transmisión de datos. Otro reto importante dentro del ámbito tecnológico de aquel año; se lleva a cabo el primer vuelo del transbordador espacial Challenger de la NASA. Y mientras el mundo sigue girando con sus avances y sus tragedias, en verano se cuece en Sigma Sound Studios de Nueva York un álbum que cambiara la vida a nuestro personaje de hoy en Agendarock: Madonna. Se graba su álbum homónimo.

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Para la realización de este trabajo discográfico se usaron todos los nuevos avances en técnicas de grabación. Madonna y su equipo pensaron en un producto de impacto pero con letras simples que hablaran de amor y desamor, de temas cotidianos sin complicaciones. El primero de los temas maquetados para la presentación de este proyecto musical fue “Everybody”. El nexo común de todos los temas incluidos era un sonido dance pop, post-disco y también algo de pop-rock. El resultado fue una buena acogida en general en el mercado y por parte de la crítica musical del momento.

Entre los países amen de los todopoderosos en la industria del disco, USA y Reino Unido, países como Nueva Zelanda, los Países Bajos, Australia y Francia recibieron con agrado esta entrega de la diva. En su haber cuenta con cinco discos de platino por sus más de cinco millones de copias vendidas solo en Estados Unidos. La productora decidió lanzar un total de cinco singles al mercado para la promoción del álbum que fueron acompañados por varios videoclips de refuerzo. Madonna fue disparada hacia el estrellato y la fama. Se le programo una gira para 1985 con el nombre de “The virgin tour” en la que se incluirían todos los éxitos de este trabajo.

Con este disco y el esfuerzo realizo en el por parte de Madonna y su gente, se estableció una nueva dimensión en los conceptos del dance y el pop de los 80. Algo que vino bien ya que este campo musical estaba por aquellos días algo estancado. A pesar de todo, este álbum no fue más que una simple carta de presentación. Quizás la propia Madonna lo sabía, pero no era suficiente, había que echar más carne en el asador y así lo hizo, y así lo demostró poco después cuando empezó a brindar con todos a través de sus trabajos “Like a prayer” de 1989 y más tarde con “Ray of light” de 1998. En 2001 salió al mercado una versión remasterizada del primer trabajo en disco de Madonna al que le incluyeron dos versiones más. Madonna fue sin duda la reina del pop en los ochenta y para muchos aun lo sigue siendo.RS/AR/2016.

Puedes escuchar aquí el programa completo emitido en la Onda Local de Andalucía:

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Más de los 80. Continuación…

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AGENDAROCK #301

Retomamos aquí nuestro encuentro con los años 80. Como en anteriores décadas, aparecen nuevas tendencias, nuevos horizontes sonoros. En los 80 se ponen de moda los maxi singles como soportes donde llevar al gran público consumidor la música especialmente bailable. Las grandes figuras del panorama pop son Michael Jackson, Madonna y Prince pero también triunfan gente ya consagrada como Tina Turner. Al amparo de la denominación Crossover surge un nuevo camino para la industria discográfica que les llevara a senderos de prosperidad económica. El crossover permite a los protagonistas del momento acceder a otros estilos y mezclarlos sin pudor para conseguir éxitos en listas. Casi todo está permitido en el crossover siempre que se haga en condiciones, claro. De ahí que encontremos en esta década que nos ocupa testimonios sonoros no imaginables con anterioridad. Sonidos tropicales mezclados con Funk, country y sonido disco, etc. Como si no, se entiende a los Afrika Bambaataa & The Soulsonic Force y su sonido electro-funk y hip hop… Kraftwerk y el hip hop de la mano…

En los 80 aun había discriminación racial en la música, a pesar de que la que mayor fuerza y vitalidad siempre ha sido la hecha por gente negra. A raíz de aquella revolución, Soul y Funk, son ya sinónimo de música exquisita. Mientras Jackson y Prince se encierran en sus respectivas jaulas de oro aislados del mundo, Madonna abre su abanico de sensualidad con máscara de niña modosita y educada, una mezcla de dureza y sensibilidad femenina, a ella le encanta lo material pero también lo romántico… Cada uno vendía su imagen de una manera. Estamos ante un coctel con dosis de Rock, Funk y tecno music con el que todo es posible.

La cultura del hip-hop se hace fuerte durante estos años con manifestaciones musicales como el break-dance, el rap o el scratch y otras como el graffiti. Todas ellas nacidas en los suburbios neoyorquinos, en los barrios negros. Como representantes de estas tendencias encontramos a grupos como Grandmaster Flash. Grandmaster Flash sigue aun hoy trabajando en la música ofreciendo espectáculos a sus más puro estilo e innovando y ahondando en nuevas tendencias del género como lo hace con el “craze-dance music”.

Grandmaster Flash

Otros protagonistas de hoy: Un disco marco un antes y un después en la carrera musical de Michael Jackson, este fue “Off the wall” producido por Quincy Jones. Exitos como “Don´t stop till you get enough” o “Rock with you” . Aquello seria el embrión de todo lo que giró en torno a la figura de Jackson, su baile, sus coreografías… y como colofón el álbum “Thriller”. El más comercial de su carrera con más de 40 millones de copias vendidas en sus primeros momentos de lanzamiento. A que este disco de Jackson triunfara y se difundiera con mayor rapidez influyó bastante la recién estrenada cadena estadounidense de televisión MTV. (Music television). Los videos clips fueron una novedad por aquel entonces y comenzaron a ser parte de la promoción de cualquier entrega discográfica de todos los artistas. Jackson era consciente de ello y los utilizo.

Michael Jackson, este fue “Off the wall”

Madonna es una de esas mujeres capaces de crear su propio universo y dominarlo en todo momento. Pese a que en su primer trabajo de 1983 “Madonna” no consigue despegar del todo, si no os muestra de lo que es capaz de hacer con una serie de temas bailables. Sería un año después, con su tema “Holiday” con el que conseguiría su gran éxito, al que continuarían otros como “Like a virgin”. Una vez más las promociones son potenciadas por las campañas en MTV a través de los videoclips donde vemos una rubia explosiva, sugerente, sensual pero también tímida e ingenua. Esa era la imagen que querían vender y lo consiguieron. Todos hablaban de ella, todos bailaban y escuchaban sus temas, y todas las chicas querían ser Madonna. Con el tema “La isla bonita” Madonna cierra los 80 ya con el sello de diva del pop internacional.

Madonna

Aprovechando el tirón del fenómeno crossover de los 80 y gracias a su talento sobre todo, nace la figura de Prince. Prince se muestra envuelto en una nube enigmática y ha sabido desde siempre protegerse de equiparaciones y falsas promesas que el mundo del Rock y del Pop acechan a todos los que entra en el. Con una mente muy bien amueblada Prince va tejiendo su camino a su forma, sin prisas pero con pie firme. “Dirty mind” de 1980, “Purple rain” de 1984 y su álbum “Sign of the times” de 1987 son piezas claves en sus primeros años de carrera.

Prince

Prince ha sabido dominar diversos estilos que le garantizan el éxito y al igual que Madonna tenía claro que era el mismo quien debía llevar las riendas de su negocio musical y de sus trabajos discográficos llegando a crear sus propias empresas dentro del mundo del disco.

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