Archivo de la categoría: CLÁSICOS

AGENDAROCK #327 – DISCOS

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Tres entregas de tres décadas distintas

Ramón Santos

Tres discos dignos de cualquier colección particular. Tres albunes a tener en cuenta en nuestra historia del Rock y del Pop. Los 50, los 60 y los 70. The Louvin Brothers, The Beatles y Credence Clearwater Revival son nuestros protagonistas en esta AgendaRock. Todos sus temas juntos supondrían dos horas de música completa, el tiempo nos limita y debemos recortar canciones. Aquí compartiremos una selección de los mejorcito de estos tres trabajos. Bienvenidos…

El sello discográfico Capitol lanzó en 1956 con la producción de Ken Nelson el álbum “Tragic songs of life” del dúo The Louvin Brothers. Puro sonido Country y Gospel en las voces de estos dos hermanos que tenían esa peculiar forma armónica de interpretar sus canciones y del que aprenderían tanto luego gente como The Everly Brothers. Su música les sale directamente del alma cantan con sentimiento con espíritu nostálgico, romántico pero también rebelde y alborotado.

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Ira y Charlie eran sus nombres, el primero tenía fama de mujeriego y bebedor y esto ocasiono la disolución del dúo en 1963, dos años después Ira fallecía en accidente de tráfico. Charlie había emprendido ya su carrera en solitario. En Estados Unidos The Louvin Brothers son leyenda del sonido Country. Personajes tan importantes como Emmylou Harris o Gram Parsons son grandes embajadores de aquel legado musical del dúo Louvin.

Un año antes de la famosa “Invasión británica” a los Estados Unidos, los cuatro melenudos de Liverpool lanzan al mercado con sus sello Parlophone uno de sus mejores trabajos: “With the Beatles”. Como ya venía siendo costumbre, marcaron un antes y un después en el mercado del disco ya que fue de los primeros albunes en alcanzar cifras de venta millonarias. Y eso que para hacerlo realidad solo tardaron una semana. Otro cambio de lo habitual fue el hecho de que no se lanzara ningún single al mercado, algo casi obligado por todo el que grabara un disco por entonces. “With the Beatles” es un disco que aun hoy guarda ese encanto especial que el grupo supo plasmar en sus composiciones y puestas en escena. En Estados Unidos, salió a la venta con el título de “Meet the Beatles”, (Conoce a los Beatles) y es que la promotora estaba encajando poco a poco el producto Beatles en aquel mercado tan difícil. En 1964 llegaría la revolución definitiva para América con unos claros vencedores…

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Los Credence ofrecen en este trabajo su más genuino estilo con formulas de puro Pop con sello sureño. Los temas abogan por lo pegadizo y quizás por ello conquistara el top americano durante nueve semanas. John Fogerty esta que se sale, canta, compone, produce, toca la guitarra, el saxo, los teclados… Cosmo´s Factory es el título del álbum pero también del lugar de ensayos de la banda. Temas como “Who´ll stop the rain” serian reivindicativos en un momento en el que existía aun el espíritu hippy y aquel movimiento del Flower Power tan contrario a la guerra de Vietnam. Credence Clearwater Revival lanza este disco con el sello Fantasy cuya dirección artística corrió a cargo de Bob Fogerty.

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Escucha aquí el programa emitido en la EMA:

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Don McLean – American Pie 1971

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AGENDAROCK #312

DISCOS

Ramón Santos

Estamos ante un disco que fue número uno en la lista más importante en los Estados Unidos. De este trabajo destacaron dos piezas; la que le da título al álbum “American pie” y  “Vincent”. Cuando Don McLean escribe “American Pie” en 1971 quizás no sabía la importancia que tendría en la música y sin embargo forma parte de la historia del Rock pero también de los Estados Unidos. En ella se hace un homenaje de las figuras del Rock fallecidas en 1959 en un accidente aéreo. Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper. En la misma se hace alusión a que con aquel trágico suceso fue cuando la música murió. Es una forma poética de interpretar aquel accidente.

Don McLean – American Pie  1971

En nuestra lista de las 200 mejores canciones de la historia del Rock y del Pop a las que dedicamos ya en su momento nuestros programas especiales, el tema se encuentra en el puesto número 40. Este sería el segundo trabajo en disco del cantautor estadounidense de Folk-Rock. El primero se llamo “Tapestry”. De este álbum podemos destacar en general la calidez, categoría y elegancia de todas las composiciones. No hay que desvalorar temas como “Vincent” que también fue número uno concretamente en Reino Unido. En su letra Don McLean realiza un recuerdo a la figura del pintor Vincent Van Gogh. Otras canciones del disco son merecedoras de un lugar destacado como es el caso de “Crossroads”…

Don McLean sigue hoy en día ofreciendo sus conciertos. En 2015 realizó una gira por Reino Unido e Irlanda. En 2004 fue incluido en el Salón de la Fama en su calidad de cantautor. También en 2009 participó en el encuentro de la celebración inaugural del presidente norteamericano Obama en el Lincoln Memorial cuyo lema era “We are one”. En aquella ocasión Don McLean interpreto (no podía ser de otra manera) su canción bandera “American Pie”. De entre otros muchos galardones y premios, destacamos igualmente el conseguido en 2012 cuando la BBC le otorga el premio Radio 2 de Folk. Uno de sus últimos trabajos discográficos fue en 2009 “Addicted to black” y el dueto con Judy Collins en 2015 “Send in the clowns”.

En el año 2000 Madonna realizó una serie de versiones del tema “American Pie” para la banda sonora de la película “Algo casi perfecto” en la que ella era también protagonista. En 2003 la casa discográfica EMI lanzó el álbum remasterizado incluyendo además dos piezas más: Aftermath y Mother Nature. En el tema central de este trabajo de McLean la historia de la música es la estrella. Comienza con una alusión a la muerte de aquellos pioneros del viejo Rock & Roll; Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper. Luego hace referencia a Elvis como el rey, a Bob Dylan como el bufón, a los Beatles como los sargentos, a los satánicos The Rolling Stones… es un repaso breve, una maestra pincelada poética, un homenaje a la música, a la historia del Rock. Algo que desde aquí muchos lo ven como algo ajeno pero que forma parte de la cultura americana y de ahí que esta sea una de sus grandes canciones.RS/AR/2016.

Puesdes escuchar aquí erl audio con el programa para la Onda Local de Andalucia.

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Discos: Tommy – The Who

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Los discos más importantes de la Historia del Rock

The Who – Tommy

La obra en sí ha tenido tres versiones diferentes en su formato. Tenemos la versión orquestada de 1972 con la participación de la Orquesta Sinfónica de Londres, la cinematográfica en 1975 con la dirección de Ken Russell y finalmente la musical de 1993 dirigida por el propio Townshend. El propio Pete Townshend lo había anunciado un año antes en una entrevista para la revista Rolling Stone. Estaban trabajando en un proyecto importante y grande. Hablaba de la obra Tommy. Sencillos como «Pinball Wizard», «I’m Free» y «See Me, Feel Me» se encargaron de promocionar el trabajo de la banda. Todos coinciden en que este disco marcó un claro “antes y después” en la música moderna de entonces. No olvidemos que 1969 era el año de Woodstock y allí precisamente actuaron también los Who. Como al resto de participantes, aquel escenario les sirvió de plataforma para ampliar su mensaje, para dar a conocer su música. Tommy es el cuarto álbum de estudio de The Who y es la primera de las dos óperas rock que construirían con su música, la otra seria Quadrophenia. En 2003 salió al mercado una edición especial en formato de lujo con dos discos. El primero de ellos con el original remasterizado y el segundo con canciones que fueran descartadas en el 69 y algunas demos. La obra no estuvo falta de crítica una vez presentada en sociedad. Por un lado estaban los que consideraban el trabajo como algo magistral e incluso como el nacimiento de un nuevo género dentro de la música y por el otro estaban los que censuraron la obra por considerarla obscena y provocativa en el tema tratado en su contenido. La cadena BBC fue uno de estos censuradores y luego hubo algunas emisoras en Estados Unidos que tampoco permitieron su emisión. Aun así el álbum logró ser todo un triunfo comercial que afianzo a la banda en su escalada.

The Who – Tomm

The Who en esta grabación del 69 eran:

Roger Daltrey en la voz, armónica

Pete Townshend a las guitarras, banjo, teclados y voz

John Entwistle al bajo y voz

Keith Moon en la batería, percusión y coros

Acompañaron con los coros Paul Townshend y Simon Townshend.

Kit Lambert fue el productor

Y Damon Lyon-Shaw fue el ingeniero de sonido.

La obra musical transcurre con el siguiente guion resumido:

“Overture”/”It’s a Boy”: El capitán Walker, desaparece en un combate durante la Primera Guerra Mundial. Poco después, la señora Walker da a luz a su hijo, Tommy.

“1921”: El Capitán Walker vuelve a casa y descubre que su mujer tiene un amante que asesina al Capitán delante del pequeño Tommy. Traumatizado el niño se convierte en sordo, mudo y ciego.

“Amazing Journey”/”Sparks”: El subconsciente de Tommy se le aparece en una visión y lo coloca en un viaje espiritual interno.

“Eyesight to the Blind (The Hawker)”: Un proxeneta de una prostituta llamada The Acid Queen comercia con su mujer, quien tiene la reputación de curar a los ciegos, los sordos y los mudos.

“Christmas”: Los padres de Tommy se muestran preocupados de que su alma esté en riesgo de condenación con la llegada de la Navidad.

“Cousin Kevin”: Tommy se queda al cuidado de su primo Kevin, quien agrede y tortura a Tommy sin temor a que nadie se entere.

“Acid Queen”/”Underture”: Tommy es llevado a una prostituta que trata de influir a Tommy en plena inconsciencia con las drogas alucinógenas y el sexo.

“Do You Think It’s Alright?”/”Fiddle About”: Tommy es dejado al cuidado de su tío Ernie, un alcohólico que aprovecha la oportunidad para abusar de Tommy sin temor a ser capturado.

“Pinball Wizard”: Tommy descubre que tienen talento para el pinball, y rápidamente derrota al campeón del torneo del juego.

“There’s a Doctor”/”Go to the Mirror”: Los padres de Tommy encuentran un médico especialista, para tratar de entender y curar los síntomas.

“Tommy Can You Hear Me?”/”Smash the Mirror”: La madre de Tommy sigue tratando de llegar a él, y se siente frustrada de que no le hace caso mientras mira directamente a un espejo. La madre rompe el espejo.

“Sensation”/”Miracle Cure”: Aquel espejo roto realiza la liberación de Tommy. La cura de Tommy se convierte en un tema de público y gana el estado de gurú.

“Sally Simpson”: Una de las “discípulas” de Tommy, Sally, es la hija de un reverendo que escapa de su casa para asistir a uno de los sermones de Tommy para que este la toque.

“I’m Free”: Tommy intenta iluminar espiritualmente a los que están escuchando sus sermones.

“Welcome”/”Tommy’s Holiday Camp”: Tommy construye un campamento de vacaciones para tratar de acomodar a todo el mundo que le sigue. El tío de Tommy, Ernie, maneja el campamento campo como una oportunidad de lucro y está ignorando el propósito del campamento de elevar a las personas espiritualmente.

“We’re Not Gonna Take It”: Tommy exige que sus seguidores jueguen al pinball y sean ciegos, sordos y mudos. Pero se produce una rebelión contra él. Abandonado, Tommy obtiene al final una nueva iluminación.RS/2015

Escucha aquí el programa con este disco:

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Discos: Bruce Springsteen – Born to run

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TODOROCK #200

Los mejores discos de la Historia del Rock y del Pop de todos los tiempos.

Bruce Springsteen – Born to run – 1975

La discográfica Columbia Records saca a la luz el que sería quinto trabajo de Bruce Springsteen un 25 de agosto de 1975. Aparte del tema que da nombre al disco “Born to Run” otros temas de los 8 que contiene el álbum, se convertirían pronto en clásicos del Rock y en especial del repertorio del llamado “Jefe” como “Thunder Road” y “Jungleland.”

Bruce Springsteen – Born to run

“Born to Run” como álbum alcanzo importantes puestos en listas nada más aparecer en la escena musical del momento. En el Billboard americano estuvo dentro de los cinco primeros lugares e igualmente conseguiría triunfar en otras listas internacionalmente. En 2005 se realizó una edición especial por el aniversario. Sacaron dos DVD y las pistas originales remasterizadas para la ocasión. “Born to Run” era el quinto disco del cantante y si bien con los anteriores no había conseguido cuajar del todo en el panorama, con este sería distinto. Con este trabajo Bruce logra reafirmarse y consolidarse en su carrera musical. Una legión de seguidores comienza a pedir más y más a su música y en justa correspondencia Bruce Springsteen les obsequia con más y más álbumes con su firma musical cada vez más solida. Es significativa la portada de este disco realizada por Eric Meola en la que aparece Bruce dejado de caer en la espalda del saxofonista, ya fallecido en 2011, Clarence Clemons. Una portada que ha tenido sus imitaciones, como por ejemplo la del grupo Cheap Trick en su trabajo “Next position please” de 1983. La banda en la grabación estaba formada por los siguientes músicos principales:

Roy Bittan: piano, Fender Rhode y coros

Ernest “Boom” Carter: batería en “Born to Run”

Clarence Clemons: saxofón, pandereta y coros

Danny Federici: órgano

Suki Lahav: violín en “Jungleland”

David Sancious: piano y órgano en “Born to Run”

Bruce Springsteen: voz, guitarras, armónica.

Garry W. Tallent: bajo

Max Weinberg: bacteria

RS/2015

Como siempre, aquí os dejo el audio con el programa completo:

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Discos: Santana – Abraxas

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TODOROCK #198-II

Discos importantes, discos de Oro, de Platino, referentes en la Historia del Rock y del Pop de todos los tiempos.

Santana – Abraxas – 1970

Carlos Santana conquisto a todos con su estilo, se metió a todos en el bolsillo con su música. Supo aprovechar el tirón del sonido latino en el rock de su tiempo y sobre todo consiguió hacerse respetar en el panorama internacional. No en vano es considerado uno de los 20 mejores guitarristas del mundo. Para este mejicano su música se dio a conocer desde el escenario de Woodstock en el 69. Allí interpretó todo lo mejor de su repertorio incluido su mítico “Soul sacrifice”. Su primer disco salió en aquel mismo año y fue todo un éxito bien recibido por la crítica en general. Impresionaba la fuerza del sonido de Santana y sus músicos en sus creaciones. Era la primera vez que se fusionaba el Rock con lo latino de aquella forma. Santana comenzó a marcar estilo.

Santana – Abraxas – 1970

En 1970 sale al mercado otra gran obra de Carlos y su gente; “Abraxas”. Nueve temas llenos de la vitalidad que ya les caracterizaba llenaron el panorama musical de buena música. La banda estaba formada en ese momento por:

David Brown al bajo.

Michael Shrieve a la batería.

Carlos Santana en la guitarra y en los coros.

Gregg Rolie a los teclados y voz.

Rico Reyes en la percusión y voz.

Mike Carabello en la percusión y las congas.

José Chepito Áreas en la percusión, congas y timbales.

Y Alberto Gianquinto con el piano.

El álbum, no podía ser de otra manera, se coloco en cabeza de las listas de inmediato. Entre 1970 y 1971 editaron y lanzaron varios singles: “Black Magic Woman”, “Oye Como Va” y “Hope You’re Feeling Better”. El álbum ha sido catalogado como disco de Oro y de Platino y aplaudido en mercados discográficos como el de Francia y Canada además de los de Estados Unidos e Inglaterra. En 1998 salió de nuevo al mercado en una edición remasterizada y con algún tema de más.RS/2015.

Puedes escuchar el programa completo aquí:

http://www.ivoox.com/historia-del-rock-198_md_7752977_wp_1.mp3″

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Discos: The Doors – 1967

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TODOROCK #199 – II

Los mejores discos de la Historia del Rock y del Pop.

The Doors – The Doors – 1967

Estupendo trabajo el de la banda en esta su primera entrega, en su debut no pudieron caer mejor en el panorama musical del momento. Se le brindo un gran aplauso que aún perdura en el tiempo. Algunos de sus mejores clásicos se incluyeron en este álbum de los Doors. “Break on through (to the other side)”, “Light my fire” y “The End”. En general el disco no tiene desperdicio ninguno. Así podemos resaltar de las once pistas originales temas como “Back door man” o “Alabama song (Whiskey bar)”. The Doors eran puro teatro cuando actuaban en directo, teatro adornado con poesía y sexualidad pero también con temas afines a la política y la sociedad de aquellos días. Ellos cambiaron ciertos conceptos acerca del Rock, aportaron algo distinto hasta entonces no ofertado por nadie.

DOORS - 1967

El grupo consiguió una fama fulgurante con este Lp. Todos coincidían en su alto valor para la música Rock. Sin embargo poco duro. De que aquella nube de éxito se disipara tal como llego se encargo el líder Jim Morrison. Jim hacia lo que le daba la gana dentro y fuera de los escenarios, para él no había límites y muchos jóvenes querían ser como él. Esa misma rebeldía fue la que le destruyo. Muchas de sus letras fueron censuradas, cada disco de la banda era observado con lupa. La conducta provocativa de Jim en los directos era incontrolable pero en los trabajos de estudio la discográfica no se podía permitir frases obscenas. The Doors en 1967 se grabo del 24 al 31 de agosto de 1966 en Hollywood con…

Jim Morrison  en la voz y percusión

Ray Manzarek a los teclado y coros

Robby Krieger  con la guitarra y en los coros

John Densmore  a la batería y coros

Larry Knechtel en calidad de músico de estudio al bajo

Y la producción corrió a cargo de Paul A. Rothchild

La discográfica Elektra fue la encargada de lanzarlo el 4 de enero de 1967. Desde que salió al mercado el disco ha conseguido 4 discos de platino en EE.UU y Canadá, 1 de oro Argentina y Austria, 1 de platino en Alemania y 2 de platino en Reino Unido. Recientemente, en 2007 salió una reedición donde se incluyeron además tres temas extras. Dos versiones del famoso poema cantado de Morrison “Moonlight Drive”  y el tema “Indian Summer”.RS/2015

Escucha aquí el audio del programa:

http://www.ivoox.com/historia-del-rock-199-discos_md_6361911_wp_1.mp3″

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Discos: Ramones – 1976

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TODOROCK #199

Los mejores discos de la Historia del Rock y del Pop.

Ramones – Ramones – 1976

El origen rebelde de los Ramones estallo con la corriente de Punk Rock nacida a finales de los 70. El álbum “Ramones” es uno de los trabajos más significativos de este tipo de Rock de aquellos días. El disco abre con el tema “Blitzkrieg Bop” de Tommy Ramone, el batería de la banda, y es la canción bandera desde entonces para el grupo.

Los componentes de The Ramones eran:

Joey Ramone – Vocalista

Johnny Ramone – Guitarra

Dee Dee Ramone – Bajo

Tommy Ramone – Batería

Ramones – 1976

Como dato significativo, recordemos que el apellido Ramone fue inventado y por tanto no eran hermanos. El estilo que marco tendencia consistía en letras sencillas y rebeldes, canciones no demasiado largas y sonido estridente y lleno de energía con puntos agresivos. Sus puestas en escena eran únicas e irrepetibles. A menudo usan temas relacionados con el nacismo, la prostitución masculina, las drogas o la violencia en general. El 23 de abril de 1976 sale al mercado este disco con sus 14 canciones. En 2001 sale una nueva edición con ocho temas de regalo a modo de extras. The Ramones supieron crear una línea de su sonido mezclando otros varios géneros como  el rock, el bubblegum pop, también llamado el sonido chicle o el surf. Todo ello unido al propio Punk sonaba a The Ramones.RS/2015.

Escucha aquí el audio del programa:

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Discos – Janis Joplin – Pearl

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Discos más importantes en la Historia del Rock.

Janis Joplin Pearl1971

Janis Joplin tuvo sus momentos especiales en la música cuando fue la voz cantante del grupo  Big Brother and the Holding Company, cuando se la vio y disfruto en el escenario del Festival de Monterey del 67, cuando saco a la luz su álbum “Cheap Thrills” en el 68, con su otra banda desde 1969, Kozmic Blues Band con los que saco un segundo disco o cuando asombro a los miles de espectadores de Woodstock interpretando temas como “Ball And Chain”. Una vida intensa sin duda. Pero corta. Janis moría en el 71 con tan solo 27 años. Había pasado el calvario de dejar la heroína pero aun andaba esclava del alcoholismo.

Janis Joplin – Pearl

En septiembre de 1970 se va a Los Ángeles a grabar su álbum “Pearl”. Janis no vería acabado. La encontraron muerta en su casa de una sobredosis de heroína. La noticia sorprendió a todos los que la conocían porque efectivamente era sabido que había dejado esa droga y todos afirmaban verla los días anteriores con muchas ganas de comerse el mundo con su música. Janis tenía planes de futuro pero acabaron aquella noche del cuatro de octubre de 1970. La canción “Buried Alive in the Blues” era una en las que Janis debía haber puesto su voz, pero se quedo como tema instrumental en el álbum modo de homenaje a la cantante. En este trabajo discográfico de Janis Joplin la acompañaba la banda Full Tilt Boogie Band. El álbum “Pearl” salió a la calle el día 11 de enero de 1971 con un total de diez temas, cinco por cada cara del vinilo. En 1999 salió una reedición con estos temas más cuatro extras “Tell Mama”, “Little Girl Blue”, “Try (Just a Little Bit Harder)” y “Cry Baby” en vivo.

Las sesiones de grabación principales fueron realizadas por Janis Joplin en la voz principal y guitarra en “Me and Bobby McGee”.

Richard Bell al piano

Ken Pearson al órgano

John Till en la guitarra eléctrica

Brad Campbell al bajo

Clark Pierson en la batería

Canadá, Australia y Estados Unidos lo colocarían en la primera posición de sus listas de éxitos. Es disco de Oro y Platino y sin duda merece un espacio en nuestra galería de los mejores.RS/2015.

Puedes escuchar aquí el programa dedicado:

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Discos: Abbey Road – The Beatles

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TODOROCK #201

Los Mejores Discos de la Historia del Rock y del Pop de todos los tiempos.

Abbey Road – The Beatles – 1969

Estamos ante el undécimo álbum de estudio de la banda de Liverpool. Todos parecen coincidir en que se trata del mejor de sus trabajos. Geoff Emerick fue el ingeniero de grabación y Tony Banks se ocupo de los montajes de cinta. La producción total del disco corrió a cargo de George Martin. Canciones que pasarían a la historia como “Something” y “Here Comes the Sun” se hallan en el interior de este trabajo. La discográfica EMI fue la encargada de terminar de compactar las canciones y hacer realidad el disco. Su sede de Abbey Road será el lugar de partida donde se gesto en el verano de aquel 1969. El título del álbum fue un homenaje de los Beatles a aquellos estudios donde habían grabado tantos temas en su carrera artística y con los que se sentían familiarizados. Resulta curioso que fuera uno de sus grandes trabajos en disco cuando entre los cuatro miembros apenas si se hablaban. Había tensiones, muchas, pero el disco tenía que salir adelante como fuera era un compromiso de todos y se hizo. 

Abbey Road - The Beatles

Abbey Road – The Beatles

En total son 17 las canciones que incluye el álbum, algunas de ellas de apenas un minuto de duración. La más corta es “Her Majesty”, dura tan solo 23 segundos y es la última de todas. Es considerada una “Canción o pista oculta” y como otras cosas de los Beatles es una idea que ha sido copiada por otras bandas a lo largo de la historia. Además de John, Paul, Ringo y George, las sesiones de grabación contaron con aportes como los de George Martin en el piano, órgano electrónico y percusión, Billy Preston al órgano Hammond en la canción “Something” y en “I Want You (She’s So Heavy)”. Es un disco que ha alcanzado las categorías de Disco de Oro, de Platino y también de Disco Diamante por todas sus enromes ventas en diversos países. Curioso también el fenómeno provocado por la portada del disco. Su portada que en un principio no tenía ninguna intencionalidad concreta logra ser una de las más populares de su discografía junto con las de Revolver y el Sgt Peppers. Se trata, como saben de los cuatro Beatles cruzando en fila por el paso de peatones situado cerca de los estudios de grabación. Jamás un simple paso de cebra había causado tanto interés ni creado tanto culto. El fotógrafo, Iain MacMillan tenía apenas un cuarto de hora para poder hacer la foto según la policía local que tuvo que cortar el tráfico para la misma.

Abbey Road - The Beatles

Abbey Road – The Beatles

Se cuentan muchas cosas alrededor de la portada de este disco, entre otras, se dice que los cuatro simbolizan un cortejo fúnebre donde Lennon es el predicador vestido de blanco, Ringo va de luto por el difunto, Harrison va informal y representaría al enterrador y Paúl camina descalzo y con los ojos cerrados y su paso esta al revés del resto es el difunto. En la actualidad existe incluso una webcam dedicada en internet expresamente en ese punto donde cada día van turistas para realizarse una foto cruzando el famoso paso de peatones. El ayuntamiento ha tenido que tomar medidas especiales por la peligrosidad del tramo. Especial intención al tema “The End” donde Ringo Starr realiza una serie de solos de batería a los que continúan otros solos de las guitarras de sus compañeros, un momento único nunca realizado en toda su carrera. A la banda como tal le quedaba poco tiempo de estar unida en el candelero musical, después de aquella nueva aventura, un disco más y todo se acabo para The Beatles como grupo en el panorama.RS/2015.

Puedes escuchar aquí el programa dedicado:

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Discos: Boston 1976

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TODOROCK #202

Los  mejores discos de todos los tiempos de la Historia del Rock y del Pop.

Boston – Boston – 1976

“More than a feeling”, “Peace of Mind” o “Smokin” son piezas interesantes en este fabuloso trabajo de la banda de Hard Rock Boston. En general todo el álbum merece la pena. Es pues, un disco indispensable, necesario, a tener en cuenta. Era 1976, llevaban en esto de la música desde principios de los 70 pero hasta este momento preciso no les llegaría la fama a descubrir. Con el primero de estos temas rápidamente se colocan dentro de las listas de éxitos más importantes. Su líder Tom Scholz comienza a verle punta a su criatura. La potencia de su Rock es evidente, la energía que comparten es contagiosa, y para remate el genuino sonido de la guitarra de Tom. El éxito estaba asegurado, y así seria durante los siguientes años. Boston eran en el momento de la grabación de este álbum:

Brad Delp en la Voz

Tom Scholz a la Guitarra

Barry Goudreau a la Guitarra

Fran Sheenan en el Bajo

Sib Hashian a la Batería

BOSTON-BOSTON-1976

Hasta la llegada de su triunfo en el 76 la banda había estado grabando y enviando demos a diversas discográficas sin resultados positivos. Nadia parecía apostar por ellos y casi desaparecen definitivamente como formación. Pero la tenacidad de Scholz les hizo continuar. El álbum “Boston” salió al mercado un día ocho de agosto al día siguiente todos hablaban de ellos, todo el mundo quería aquel disco. Pocos sabían que el tema central había sido maquetado en uno rudimentarios estudios en un sótano de la casa del líder de la banda. Por supuesto aquella maqueta debió pasar por  unos estudios para ser remasterizada y remezclada dando como resultado una obra indispensable en la Historia del Rock. Concretamente fue grabado en tres estudios; Foxglove Studios, Capitol Studios y The Record Plant.

Boston – 1976, es uno de los discos más vendidos en Estados Unidos. Más de 17 millones de copias vendidas certifican el impacto que produjo en la música este disco de Boston que fue incluido por supuesto en la lista de las 500 mejores canciones de la Historia por la revista Rolling Stone. La banda logro innovar en el panorama del momento, labor nada fácil. Le dio un pequeño destello diferente al Rock enérgico. No fue casualidad fue el empeño de unos buenos músicos por ofrecer su forma de ver y sentir la música. RS/2015.

Puedes escuchar el audio del programa en radio aquí:

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